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Día Internacional del Jazz – 2020

“El jazz es un estallido de belleza nacido de la opresión, la música de la improvisación y la creación colectiva”

Audrey Azoulay
Directora General de la UNESCO

 

El próximo jueves, 30 de abril, se celebra el Día Internacional del Jazz y aprovechamos para recordaros que tenemos una sección de libros de música en Anaïs Libros, algunos de ellos dedicados al Jazz. También algunas novelas en las que el Jazz resuena en sus páginas.

La historia del jazz se enmarca en los esfuerzos en pos de la dignidad humana, la democracia y los derechos civiles. Sus ritmos y su diversidad han reforzado la lucha contra todas las formas de discriminación y de racismo. La UNESCO cree en el poder del jazz como motor para la paz, el diálogo y la comprensión mutua, y es por este motivo que en noviembre de 2011, durante la Conferencia General de la UNESCO, la comunidad internacional proclamó el 30 de abril como el Día Internacional del Jazz.

Esta jornada tiene como objetivo sensibilizar al público general sobre las virtudes de la música jazz como herramienta educativa y como motor para la paz, la unidad, el diálogo y el refuerzo de la cooperación entre pueblos.

 

En  Libros de música para los más pequeños, hablamos sobre Paco y el Jazz, una libro con los sonidos típicos del Jazz y un recorrido por las calles de Nueva Orleans para los más pequeños.

 

Entre las biografías que se pueden encontrar nuestra sección de música tenemos dos especialmente interesantes: la biografía de Thelonius Monk escrita por Laurent de Wilde

 

Django Reinhardt es sin lugar a dudas el guitarrista europeo de jazz más importante y trascendente del siglo XX. El hecho de pertenecer a la estirpe manouche y de que se convirtiera en una gran figura de la música de su tiempo a pesar de que la mano izquierda se le abrasara parcialmente durante un incendio en la caravana en la que vivía, le confieren un halo innegable de misticismo y de magia.

 

 

 

Jazzuela: Jazz en Rayuela la novela de Julio Cortázar que reseñamos en Los novelistas y la música.

Por cierto que de Rayuela tenemos en stock  la edición conmemorativa de la RAE con la reproducción facsimilar del «Cuaderno de bitácora», la libreta en la que Cortázar fue anotando ideas, escenas y personajes de la novela durante el proceso de escritura.

 

 

Otra novela con mucho Jazz es Jazz para el asesino del hacha, la primera entrega de la aclamada tetralogía de Ray Celestin.

 

En Cómic, jazz y literatura reseñamos Piscina Molitor retrato biográfico de Boris Vian y Miles en París.

 

 

 

 “el jazz no es solo música; es una forma de vida, una forma de ser, una forma de pensar”

Nina Simone

https://www.un.org/es/observances/jazz-day

https://es.unesco.org/commemorations/jazzday

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Mitos de la música popular

Pocos guitarristas han tocado el blues, el folk y el rock con la exacta dosis de pasión y técnica como el irlandés Rory Gallagher (1948-1995), fundador del espectacular power trío Taste en la década de los sesenta y solista de vasta trayectoria a partir de la década del setenta, con más de 30 millones de álbumes vendidos e infinitas giras realizadas por todo el mundo. Su entrega sobre un escenario, integridad hacía su música y el legado de una excelente obra grabada (veinte discos como solista y cuatro con Taste) han hecho de Rory una figura legendaria que aún no ha recibido por parte de los medios el reconocimiento y lugar que merece.

Fue un verdadero “Héroe” lleno de paradojas: humilde y tranquilo en su vida privada y una verdadera fiera sobre el escenario, alguien que nunca hizo la menor concesión para tener éxito comercial y que llegó a vender más de 20 millones de discos durante su carrera, sin prensa o campaña alguna. Un tipo auténtico, único: gran compositor, emotivo cantante y uno de los mejores guitarristas de la historia, sin duda alguna.

Al preguntarle a Jimmy Hendrix lo que se sentía al ser el mejor guitarrista del mundo respondió: “No tengo ni idea, pregúntale a Rory”.

 

A comienzos de 1991, el mánager musical Danny Goldberg aceptó hacerse cargo de Nirvana, uno de los muchos grupos de rock de la escena musical “underground” de Seattle. En ese momento, Danny no tenía ni idea de que el líder de la banda, Kurt Cobain, se convertiría en un icono de la cultura popular con un legado a la altura del de John Lennon o Elvis Presley.
Danny trabajó con Kurt entre 1990 y 1994, los últimos cuatro años de vida del cantante. Fue testigo del éxito estratosférico de “Nevermind”, que convirtió a Nirvana en la banda de rock más célebre del momento; asistió al encuentro y posterior boda de Kurt con la inestable pero brillante Courtney Love; al nacimiento de su hija, Frances Bean y, finalmente, a la lucha de Kurt contra la adicción a la heroína, que acabó en un devastador suicidio.
Danny Goldberg ofrece en “Recordando a Kurt Cobain” un retrato del líder de Nirvana único e incomparable, solo al alcance de alguien que lo trató como productor, compañero y amigo íntimo. Goldberg resucita recuerdos no publicados hasta la fecha, indaga en sus archivos personales y recupera entrevistas a familiares, amigos y compañeros de banda, para explorar la inmensa creatividad y brillantez que Kurt Cobain proyectó sobre su música, la increíble mezcla de compasión, rebeldía, feminismo y ambición que reunía, y el legado que forjó con su particular visión del punk-rock.

 

 


Toteking, leyenda viva del rap español, pero sobre todo lector incansable, escribe: «Viajar a tus recuerdos es buscar pelea». Y lo hace. Sin miedo. La figura de un padre que lo inicia en la lectura, los primeros mates en la cancha pública y la vocación insobornable de la rima perfecta, la honestidad a tumba abierta, la necesidad de rodearte de tres (cuatro, a lo sumo) personas que te quieren, la esclavitud de tener que vivir para contarlo en canciones y en cuentos. La obligación de encerrarte en un búnker para gritar todo lo que odias de la vida. También lo que te hace seguir vivo.

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Punk-Rock en femenino

«La realidad de la vida de las mujeres, tal y como argumenta Goldman a través de su selección musical, puede ser brutal, disruptiva y capaz de reformular paradigmas; al fin y al cabo, ¿hay algo más punk que eso?»

Marissa Lorusso, NPR


«En esta inteligente introducción a la música punk que hay que leer (completada con una generosa selección de temas musicales), Vivien Goldman planea sobre cinco décadas de encuentros personales con músicas feministas para averiguar cómo y dónde estas pintorescas punks han llegado, y adónde pueden dirigirse.»

Tina Weymouth (Talking Heads)


Según a quién preguntes, la historia del punk comenzó en Inglaterra con los Sex Pistols o en Nueva York con los Ramones, pero ¿y si, como rezaba la mítica camiseta de Kim Gordon de Sonic Youth, «las chicas inventaron el punk, no Inglaterra»? Sin entrar en controversias sobre la génesis del fenómeno, lo que sí parece claro es que la historia oficial, como suele ser habitual, ha silenciado el papel fundamental que tuvieron y tienen las mujeres en el origen y futuro de la música de guitarras más visceral.

La periodista cultural y música Vivien Goldman —que a principios de los ochenta grabó un single fundamental en las horas muertas del estudio de PiL— escribe por primera vez una historia del punk desde mediados de los setenta hasta la actualidad en clave femenina. Goldman explora el fenómeno del punk a partir de cuatro temas fundamentales —la identidad, el dinero, la vida afectiva y la búsqueda de un cambio— que tienen que ver tanto con la creación musical en los márgenes de la industria como con las dificultades inherentes de la mujer en un contexto donde aún impera el patriarcado. Para ello, traza un apasionante y divertido panorama global de la música punk hecha por mujeres cuyo legado aún perdura y resuena en todos los rincones del mundo. Más allá de los nombres clave —Patti Smith, Debbie Harry o Chrissie Hynde—, la «catedrática del punk» excava en la historia y en los lugares más recónditos del planeta donde emergen fascinantes sheroes del punk, tanto en EE. UU. (Poly Styrene, las riot grrrls, Alice Bag o Sleater-Kinney) e Inglaterra (las Slits, las Raincoats, las Au Pairs o Skinny Girl Diet), pero también en Francia (Lizzy Mercier Descloux), Alemania (Malaria!), Japón (Shonen Knife), Rusia (Pussy Riot), Indonesia (Tika and The Dissidents), China (Hang on the Box), India (Pragaash, The Vinyl Records), Jamaica (Grace Jones, Tanya Stephens), Nigeria (Sandra Izsadore) o Colombia (Fértil Miseria), incluidas las Vulpes y su «Me gusta ser una zorra».

 

«Un libro brutalmente honesto sobre la sangre, las vísceras, el sudor y las lágri­mas necesarios para convertirse en mujer en los años setenta. No hay que ser fan de las Slits o del punk para que te atrape» (Helen Brown, The Telegraph).

Como los viejos elepés, este libro tiene una cara A y una cara B. La primera po­dría titularse «Sexo, drogas y punk». La segunda, «Hay vida después del punk».

Viv Albertine llega a Londres en 1958 con cuatro años, procedente de Sídney. Estas memorias arrancan con su infan-cia y adolescencia, entre descubrimientos musicales –John Lennon, los Kinks, Marc Bolan–, conciertos -–de los Stones, David Bowie…–, primeras escapadas –a Ám­sterdam– y primeras experiencias adultas –con ladillas incorporadas–.

A finales de los setenta, dos encuentros lo cambian todo: conoce a Mick Jones y descubre a Patti Smith. A partir de ahí, Viv se integra en la emergente escena punk y vive en primera línea aquellos años de revuelta, provocación y excesos: los Sex Pistols, Malcolm McLaren, Vivienne Westwood, los Clash, Sid Vicious y Johnny Thunders, la formación del grupo de chicas The Slits, en el que toca la guitarra, los locales míticos, el Soho, con sus cines porno y sus clubs, los conciertos salvajes, la heroína, las peleas con skinheads, el des­cubrimiento del free jazz y la gira a la que invitan a Don Cherry…, hasta que a principios de los ochenta su banda se disuelve. Arranca entonces la cara B, con la necesidad de reinventarse, el interés por el cine, un aborto, una hija, el cáncer de cuello de útero, el divorcio tras un largo matrimonio y su nueva situación como mujer madura, tema al que dedica una canción: «Confessions of a MILF».

Escrito con una viveza y una sinceridad arrolladoras, el libro es ante todo una valiosísima crónica de primera mano de la efervescencia punk. Pero es también el relato de una época turbulenta y vibrante, y un libro sobre los retos de la ma­durez y la necesidad de buscar nuevos caminos en el ámbito artístico y personal.

 

 

Fue el verano en que murió Coltrane… Los hippies alzaron sus brazos vacíos y China detonó la bomba de hidrógeno. Jimi Hendrix prendió fuego a su guitarra en Monterey… Fue el verano del amor. Y en aquel clima cambiante e inhóspito, un encuentro casual cambió el curso de mi vida: fue el verano en que conocí a Robert Mapplethorpe.

Corría el mes de julio de 1967 y eran unos niños, pero a partir de entonces Patti Smith y Robert Mapplethorpe sellaron una amistad que solo acabaría con la muerte del gran fotógrafo, en 1989. De eso habla este espléndido libro de memorias, de la vida en común de estos artistas, los dos entusiastas y apasionados, que cruzaron a grandes pasos la periferia de Nueva York para llegar hasta el centro neurálgico del nuevo arte. Fue así que acabaron instalándose en el hotel Chelsea y se convirtieron en los protagonistas de un mundo hoy ya perdido donde reinaban Allen Ginsberg, Andy Warhol y sus chicos, y se creaban las grandes bandas de música que marcaron los años finales del siglo XX, mientras el sida hacía estragos.

 

Patty Smith, cantante y poeta, la madrina del punk aportó a la música popular de su tiempo un punto de vista intelectual y feminista. Sus letras introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud estadounidense.

Reconocida como Comendadora de las artes y las letras en Francia en 2005, entró en el Salón de la Fama del Rock en 2007 y recibió el pasado año la Medalla de Oro de Bellas Artes otorgada por el Gobierno de España.

Quien se acerque este año  por el ARF podrá disfrutar de su música en directo.

 

Y también La chica del Grupo, de Kim Gordon

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Monstruos del Rock

El Monsters Of Rock fue una serie de festivales celebrados durante los años 80 hasta mediados los 90 en Donintong Park, en Inglaterra. El festival se extendió por diversos países europeos, llegando a España en 1988. En 1991 se celebró una edición histórica en Moscú en 1991, en medio de la tormenta política que azotaba la Unión Soviética en aquellos momentos, en la que participaron Pantera, Metallica, ACDC y Black Crowes.

La banda que más veces tocó en el Monsters fue Metallica y la que maś veces encabezó el cartel ACDC.

 

Martin Popoff, su autor, ha sido descrito como “el periodista de heavy metal más famoso del mundo”. En su haber tiene el record honorifico de 7900 entrevistas sobre música, además de ser autor de 42 libros sobre hard rock, heavy metal y rock clásico.
 
El libro está bañado con instantáneas del grupo realizadas por Kevin Estrada, Bill Hale (autor de Metallica: Club Dayz: 1982-1984),Bob Leafe, Frank White (empezó su carrera de fotógrafo el 12 de febrero de 1975 fotografiando a Led Zeppelin en el MSG) y Mick Wall.

La guinda de este pastel la ponen las declaraciones de músicos que el propio Popoff entrevistó directamente para la elaboración de este libro: Chuck Billy, Mike Fraser, Scott Ian, Jason Newsted, Ron Quintana, Jonny Zazula, Brian Slagel o los propios Lars Ulrich o Robert Trujillo, batería y actual bajista de la banda.

 

Para dos millones de fans, AC/DC siempre será la mayor banda de hard rock.

Desde que los hermanos Angus y Malcolm Young la formaron en 1973 en Sídney, Australia, AC/DC se ha dedicado al rock más directo y visceral, y ha inspirado a varias generaciones de iconos del rock, desde Def Leppard hasta Guns N’Roses y Metallica.

El diseño básico planteado desde sus primeros álbumes con Bon Scott, con un rock ‘n’ roll duro, práctico y plagado de riffs, les ha funcionado muy bien y han vendido más de 200 millones de discos, entre los que se encuentra el álbum de rock más vendido de todos los tiempos: Back In Black.

En este libro ilustrado con más de 200 fotografías, el consagrado escritor especializado en rock Paul Elliot documenta la carrera de AC/DC desde los inicios hasta su último álbum publicado en 2014, Rock Or Bust.

Una inmersión real en el éxito imperecedero de la banda y su encumbramiento como auténticos reyes del rock.

Reseña en la revista Muzikalia

Reseña del libro en Orpheo

 

Iron Maiden. Deconstrucción” es un ensayo sobre la carrera de Iron Maiden elaborado desde un punto de vista muy diferente al de cualquier otro que haya podido ser publicado con anterioridad. Propone una nueva forma de escuchar los discos de la banda inglesa, arrancando desde los comienzos de su carrera durante la década de los años setenta y llegando hasta la más rabiosa actualidad. En suma, un atento repaso analítico e interpretativo, que hace parada también en los proyectos solistas de varios de sus miembros, así como en los nexos rastreables entre álbumes, temáticas varias e ideario.

Reseña de Metalcry

Sinópsis e índice en El Argonauta

 

 

Historiador, esgrimista, locutor de radio, piloto comercial, guionista, empresario y, por si fuera poco, vocalista de uno de los mayores iconos de la historia del heavy metal. Puede que no exista otro personaje tan polifacético en el mundo del rock: incombustible a sus sesenta años, Bruce Dickinson repasa su vida mediante un texto cargado de flema británica. El resultado se materializa en casi cuatrocientas páginas centradas en su vida y sus aficiones que, por momentos, parecen resultar tan determinantes como su pertenencia a Iron Maiden.

 

 

 

Su historia es la historia de la música rock desde sus inicios y hasta nuestros días. Lemmy huyó de su Gales natal para vivir en primera fila el estallido de la beatlemanía y tocar en conjuntos de merseybeat, soul y rhythm & blues. Fue roadie de Jimi Hendrix y miembro de grupos tan singulares como The Rocking Vicars y Sam Gopal, antes de saltar a la fama como bajista de Hawkwind, el célebre conjunto de rock cósmico y espacial inspirado por Michael Moorcock, junto a los que interpretó himnos incontestables de la época como “Urban Guerrilla” o “Silver Machine”.

En 1975 fundó Motörhead, decanos del heavy, primos bastardos del punk y precursores del speed metal.

“Lemmy: la autobiografía” ofrece un viaje hilarante, desenfrenado y siempre sorprendente en compañía del líder de la “banda más ruidosa del mundo”. Su historia y sus opiniones, narradas en primera persona, sin prejuicios y sin pelos en la lengua. Y es que, como advierte el propio Lemmy, “Si te ofendes con poca cosa, ¿qué haces leyendo este libro?”

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Libros de música para los más pequeños

Sofía adora la música y busca una orquesta, pero no acaba de encajar en ninguna de las que va encontrando, porque es muy delgada, porque es muy marrón,  porque es muy baja, porque es herbíbora…así que decide crear una orquesta eligiendo a sus componentes por su talento.


Este cuento habla de la importancia de la intergración, de que nuestras diferecias nos hace únicos y ayuda a los niños a desarrollar su tolerancia a la frustración

http://apegoyliteratura.es/sofia-la-vaca-que-amaba-la-musica/

Un gran éxito por la enorme aceptación entre los más pequeños es la serie de Paco, libros con sonido que enseñan los distintos tipos de música y los instrumentos para interpretarla, además de las localizaciones con las que las distintas músicas se identifican.

En Paco y el jazz, Paco y sus simpáticos amigos animales nos invitan a conocer los instrumentos y las piezas más emblemáticas de la música jazz, a la vez que nos muestran las calles de Nueva Orleans, la ciudad del jazz por excelencia.

Paco y el rock,  ¡A Paco le encanta el rock! Coge su guitarra y se va a Londres, la ciudad del rock. Pero… ¿conseguirá hacer realidad su sueño, grabar un disco? Descubre con Paco los instrumentos del rock: la guitarra, la guitarra eléctrica, el bajo, el piano, el saxo, el contrabajo, la armónica, la batería, la pandereta, el teclado, los coros, ¡la canción rock!

Paco y Mozart,  a Paco le encanta tocar la música de Mozart con su amigo Fonzy, pero sobre todo le gusta escuchar a los músicos que hay por toda la ciudad. ¡Además hoy es la fiesta de la música en París!

Paco y Vivaldi, Paco llega a Venecia en pleno carnaval: hay máscaras por todas partes, música, bailarines, góndolas, canales pero, sobre todo, hay ¡música de Vivaldi!

También disponibles Paco y la música africana, Paco y la Orquesta, Paco y la música disco y Paco y la Opera.

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Musicología

«Articular la conexión entre la música y el mundo exterior sigue siendo endiabladamente difícil.  El significado musical es vago, mutable y, en última instancia, profundamente personal.  No obstante, aun cuando la historia no pueda nunca decirnos exactamente qué significa la música, ésta sí que puede decirnos algo sobre la historia»

«Un libro de referencia que se convertirá en un clásico de la historia del siglo xx»

Kirkus Reviews.

Ésta es la historia del siglo XX a través de su música, desde la Viena de antes de la Primera Guerra Mundial hasta el París de los años 20;  desde la Alemania de Hitler o la Rusia de Stalin al Nueva York de los años 60.  Transportando a los lectores por el laberinto del sonido moderno, Alex Ross nos descubre las conexiones entre los acontecimientos más importantes y los compositores más influyentes, hombres que se rebelaron contra el culto al pasado clásico, lucharon contra la indiferencia del  gran público y desafiaron a dictadores.

Los tres cortes del libro son cronológicos (de 1900 a 1933, del 33 al 45 y del 45 al fin del milenio),  aunque por debajo de esos períodos aparecen y reaparecen ciertos temas. El título original, The Rest is Noise, ya insinuaba algo.  ¿Alcanzado el clímax al que llegaron Wagner, Strauss y hasta Mahler, ¿lo demás fue ruido?

Alex Ross, crítico musical en The New York Times y The New Yorker ha firmado un libro imprescindible sobre un tiempo fascinante, caótico y estridente.  Un libro sobre la música del siglo XX reconocido con premios de prestigio (National Book Critics Circle; Guardian First Book, Royal Philarmonic Society), situado en las listas de los más vendidos y nominado al Pulitzer.

Índice del libro en El Argonauta

«Una historia fascinante que lo abarca todo, desde el Brill Building y Phil Spector hasta Afrika Bambaataa o American Idol.  Bajo todas estas tramas resuena, como una línea de bajo, el inexorable cabal de la tecnología.»
The Boston Globe

«Seabrook no solamente examina el interior de una canción, sino también cómo una canción logra meterse en nuestro interior.»
The Observer


En las dos últimas décadas ha nacido un nuevo tipo de canción. Los hits actuales están repletos de hooks, anzuelos musicales diseñados para engancharse a tu oreja cada siete segundos. Sus compositores han dedicado centenares de horas en inventarlos, en lograr que la melodía, el ritmo y la repetición se incrusten en el cerebro humano. Y los han pensado para que la experiencia de escucharlos funcione tanto en la radio o la  tele como en centros comerciales o el gimnasio.

En un viaje que lo lleva de Nueva York a Los Ángeles y de Estocolmo a Corea, John Seabrook nos cuenta la historia de una industria que de repente,  tras un cataclismo, se vio forzada a transformarse; sus productos debían ser, más que nunca, innovadores, competitivos, ambiciosos y sexys.
Explorando el terreno que comparten la ciencia y la creatividad, La fábrica de canciones es un libro que cambiará la manera en que escuchas música.

Reseña en Libros y Literatura

Contenido e índice en El Argonauta

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Cómic, jazz y literatura

Iconoclasta, rebelde con causas más que perdidas, trompetista de «jazz», ingeniero metalúrgico, crítico musical, cantante y compositor, a lo largo de su corta vida Boris Vian hizo justo lo contrario de lo que le habían pedido los médicos, que llevara una existencia tranquila. Amigo de Jean-Paul Sartre y de Simone de Beauvoir, colaborador en «Combat» junto a Albert Camus, su disparatado corazón estaba condenado desde que de crío sufrió unas fiebres tifoideas que le dejaron maltrecho.

Sus novelas, disponibles en Anaïs Libros, fueron de las más rompedoras de su tiempo; cocinadas en los caldos del «jazz» y en los sobrecogedores acordes de Duke Ellington, Miles Davis y Charlie Parker.

Convertido en autor de culto, la novela gráfica Piscina Molitor. La vida swing de Boris Vian recupera para nosotros los hechos más señalados de su trayectoria vital y artística.

Ilustrador francés, Christian Cailleaux es conocido por su labor como autor de cómic, aunque también ha trabajado en el mundo de la publicidad. Además, Cailleaux toca la trompeta de manera ocasional.

Hervé Bourhis ha publicado una veintena de novelas gráficas desde 2002, la mayor parte dedicadas al pop, al rock y al jazz. En algunas de ellas se ha encargado de las ilustraciones y en otras también de la historia. Trabaja en diferentes periódicos como el diario Spirou, Télégrama, Jade, Pilote y Magic.
Asimismo, también ha trabajado como ilustrador de dibujos animados. Recibió el premio Goscinny en 2002, el Jacques Lob en 2010 al conjunto de su obra y el Landerneau por Le Teckel.

Más información

«Piscina Molitor», la vida en cómic de Boris Vian

Miles en París nos cuenta el romance de unos pocos días entre sus dos protagonistas, el trompetista estadounidense Miles Davis (1926-1992) y la cantante y actriz francesa Juliette Greco (1927), en 1949 durante la celebración del Paris International Jazz Festival. Un romance tan breve como intenso y que cambiaría sus vidas y sus carreras.

Salva Rubio es un historiador y guionista nacido en Madrid en el año 1978. En 2017 debuta en el mercado francobelga con Monet, Nómada de la luz (Norma) dibujada por Ricardo Efa. Ese mismo año aparece El fotógrafo de Mauthausen (Norma) con dibujos de Pedro J. Colombo. En 2018 vió la luz Max. Los años 20 (Planeta Cómic) el spin-off de la novela El tango de la guardia vieja de Arturo Pérez-Reverte dibujado por Rubén del Rincón. En el mercado nacional ha colaborado en cómic colectivos como BCN Noire (Norma) y Primavera Graphic Sound (Norma).

Sagar Forniés es un dibujante nacido en Huesca en 1974 aunque afincado en Barcelona desde hace algún tiempo. Ha trabajado en casi todos los campos relacionados con el dibujo como ilustración, animación, dirección artística, escenografía, enseñanza, etc… Acumula una larga trayectoria en el cómic nacional como obras tan destacadas como Bajo la piel (Astiberri) y Cuentas pendientes (Astiberri) ambas guionizadas por Sergi Álvarez, Dimas (Astiberri) guionizada por Andreu Martín o sus dos trabajos con guion de Jorge Carrión: Barcelona: Los Vagabundos de la Chatarra (Norma) y Gótico (Norma). Además, desde el 2017 está trabajando para el mercado francobelga para el que ha realizado El síndrome de Stendhal (Norma) con guion de Aurelie Herrou, Intisar en el exilio (Norma) escrita por Pedro Riera y Miles en París.

Más información:

Miles en París, de Salva Rubio y Sagar: una breve pero hermosa historia de amor que cambió la música moderna

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Ruido

BLACK FLAG, THE MINUTEMEN, MISSION OF BURMA, MINOR THREAT, HÜSKER DÜ, THE REPLACEMENTS, SONIC YOUTH, BUTTHOLE SURFERS, BIG BLACK, DINOSAUR JR, FUGAZI, MUDHONEY y BEAT HAPPENING.

Algunos de los discos que grabaron se encuentran entre los mejores de la historia del rock, y su influencia llega hasta nuestros días. Muchos grupos desaparecieron,  pero su música ha pervivido.

«Nuestro grupo podría ser tu vida» («Our Band Could Be Your Life»), que toma el título de un verso de un tema de The Minutemen y está considerado unánimemente como uno de los mejores libros sobre la música rock jamás escritos, relata la trayectoria musical de trece bandas norteamericanas capitales que dieron lo mejor de sí mismas en la década de los 80. Fueron años convulsos que coincidieron con el mandato del presidente Reagan y su política conservadora y nacionalista, y que, en lo musical, dieron lugar a la particular lectura del punk británico y su consigna del «hazlo tú mismo» por parte de algunas bandas del Nuevo Continente que produjeron un sonido agresivo y a un volumen y velocidad de vértigo.

Profusamente documentado a partir de entrevistas con los músicos y los principales actores de la escena musical, Azerrad narra con pulso y pasión los avatares de estos trece grupos cuyo sonido inauguró no solo una nueva tendencia musical que se consolidaría mundialmente con el encumbramiento de Nirvana y su álbum «Nevermind», sino también la eclosión de toda una red de sellos discográficos, distribuidoras independientes, fanzines, radios universitarias y underground, clubs, locales de conciertos y tiendas de discos, que nacieron para vehicular la urgencia generada por la nueva música. Pronto, abanderado por Black Flag, el germen del hardcore se extendió y permitió la aparición de nuevos grupos y una nueva comunidad de fans que los seguían y apoyaban en sus interminables giras.


«Kim Gordon escribe de la misma manera que toca. Ferozmente, honestamente, y con el desenfreno creativo propio de una artista singular.»

Amy Poehler

«Mucho más que la típica biografía del mundo del rock, La chica del grupo es un testimonio único de los últimos cincuenta años de cultura alternativa.»

NME

Kim Gordon dio a luz a principios de los 80, junto con el que sería su marido, Thurston Moore, y el guitarrista Lee Ranaldo, a uno de los grupos más innovadores, influyentes y prolíficos de la escena musical independiente norteamericana, Sonic Youth. «La chica del grupo» es el relato en primera persona de uno de los grandes iconos femeninos del rock, una mujer que, como Patti Smith, Janis Joplin o Marianne Faithfull, supo encontrar su lugar en un mundo fundamentalmente masculino y, a menudo, sexista.

Dotada de un singular talento e inquietud para lo creativo desde su temprana juventud, Kim Gordon narra en estas apasionantes memorias el devenir de una vida dedicada a la música, al arte -su obra artística, entre la pintura y la instalación, ha sido expuesta en relevantes galerías-, la moda -fue una de las creadoras de la marca X-Girl- y, en menor medida, la interpretación -ha trabajado como actriz a las órdenes de directores como Gus Van Sant, Olivier Assayas o Todd Haynes-, pero también su fecunda historia de amor con Thurston Moore. Sin embargo, la que fuera una de las parejas del rock más longevas y creativas se disolvió tras veintisiete años de matrimonio, poniendo también punto y final a la trayectoria de un grupo que marcó un antes y un después en la música alternativa de los 80 y los 90. Gordon relata con una angustia aún latente cuando descubrió que su marido la engañaba con otra mujer y cómo, después de una retahíla de engaños y mentiras, decidió separarse de él definitivamente.

Kim Gordon también rememora la electrizante escena musical y artística de Nueva York y algunas de las canciones más celebradas y perdurables de Sonic Youth como «Death Valley ’69», «Schizophrenia» o «Kool Thing», y recuerda con especial cariño su cálida amistad con Kurt Cobain, el líder de Nirvana.

«La chica del grupo» explora de manera inteligente y crítica el punto de vista de una mujer que supo abrirse paso en un mundo donde aún hoy prevalece la testosterona, así como también las dificultades que acarrea traer una hija al mundo, conciliar la maternidad con las exigencias de la vida del rock y el arte, y la necesidad de encontrar un espacio propio donde dar rienda suelta a la libertad creativa.

https://www.efeeme.com/libros-la-chica-del-grupo-de-kim-gordon/

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Lluvia, hierro y rock’n’roll

“Lluvia, Hierro y Rock & Roll” es un fascinante y minucioso recorrido a través de los primeros 50 años de historia del rock bilbaíno. Un trepidante viaje en el tiempo que nos acerca a los grupos, los discos, los programas de radio, los fanzines, las revistas y los conciertos. Desde Platero y Tú, Los Mitos, Dinamita Pa’ Los Pollos, Eskorbuto y Cancer Moon, hasta Fito y Los Fitipaldis, M.C.D., Atom Rhumba, We Are Standard y Cápsula. Compuesto a partir de más de 150 entrevistas a músicos, responsables de programas radiofónicos, promotores de conciertos, editores de fanzines y revistas, sociólogos, fotógrafos, periodistas y aficionados, el libro está ilustrado con más de 600 fotografías, carteles y entradas de conciertos que lo convierten en una obra de referencia única en su género.

Más allá de un libro sobre música estamos ante un documento sociológico, una crónica detallada y una memoria sentimental en la que se ve reflejada la evolución de las inquietudes y los hábitos de ocio de buena parte de la juventud bilbaína. Partiendo de los guateques y las fiestas matinales de la década de 1960 hasta los festivales multitudinarios del siglo XXI, pasando por la explosión de las salas de fiestas de los años 70 y los bares y locales autogestionados de los 80 y 90. Nada escapa a este pormenorizado análisis repleto de anécdotas e historias curiosas.

En este enlace tenéis más información sobre el libro y lo podéis hojear en modo virtual, aunque nuestra experiencia nos dice que es mejor hojearlo en modo real, en Anaïs Libros lo tenéis disponible.

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Los novelistas y la música

“El oído está atento como si quisiera escuchar el silencio. De pronto una música divina resuena en derredor: una ráfaga de viento ha pasado sobre las flores conmoviéndolas suavemente. Diríase que los dedos invisibles de un hada han rozado las cuerdas de un laúd; cada hoja lanza un suspiro, y multitud de notas se reúnen estremecidas y tímidas para proferir una queja tan apagada y tenue, que parece lamentarse de resonar…”

Benito Pérez Galdós

Es este un libro sobre la dimensión musical de Benito Pérez Galdós y de su obra. Un libro que ha sido posible gracias al riguroso y minucioso trabajo de investigación de Pedro Schlueter, que durante años ha recopilado correspondencia que el gran escritor mantuvo con músicos, libretistas y literatos, documentos que en su gran mayoría se encuentran custodiados hoy en la Casa-Museo Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria.

Galdós, que tocaba el piano y el armonio, sentía una especial predilección por Beethoven, debutó en Madrid como crítico musical, a los dos años de llegar a la ciudad y cinco antes de publicar su primera novela.

El reconocido estudioso de Galdós, Vernon A. Chamberlin, publicó un controvertido ensayo Fortunata y Jacinta: A Symphonic Novel”, que no ha sido traducido al castellano, en el que afirma que la estructura de la novela es una imitación de los cuatro movimientos de la Heróica de Beethoven. Al parecer sus argumentos no han sido suficientemente convincentes.

Jazzuela es un viaje musical a lo largo de la novela Rayuela de Julio Cortázar. Jazzuela es la fusión de jazz y Rayuela, la obra cumbre del escritor argentino Julio Cortázar, señalando la importancia que el jazz tiene en su novela. Para Cortázar el jazz simboliza la libertad, la espontaneidad, la negación de cualquier estructura y Rayuela sigue este esquema, ya que el autor nos sugiere varias propuestas de lectura para que podamos escoger libremente.
Este libro disco recoge las grabaciones de jazz y blues que están mencionadas en la obra: los capítulos del 10 al 18 concentrados en las actividades del Club de la Serpiente.

En Carpentier la música no es mera afición, entretenimiento placentero o erudición, sino que le vale como elemento estructurador de sus narraciones. Su prosa se produce, a menudo, con cadencias y ritmos de raigambre musical, y la incitación musical es explícita en algunos títulos de sus libros: Concierto barroco, La aprendiza de bruja, Oficio de tinieblas, La consagración de la primavera, El arpa y la sombra. No faltan los personajes que son músicos, como el protagonista de Los pasos perdidos.

En el mundo carpenteriano el arte sonoro aparece en calidad de tema o personificado; o está sin dejarse ver ni oír, como un modelo constructivo; o va punteando los momentos relevantes de las distintas historias.

Carpentier vivió la historia de la música en el siglo XX con atención punzante, y en algunos de sus episodios, como la vanguardia francesa y la polémica musical cubana, tuvo cierta participación. Trascendiéndose a sí misma, la música carpenteriana es el signo de lo inefable, una escuchable utopía poética vinculada con experiencias de lo sagrado.